domingo, septiembre 21, 2014

Cantinflas: El Lobo de Mexico Street

Posibles SPOILERS adelante, tanto se pueda spoilear una movie basada en hechos reales.

Cantinflas (Sebastián del Amo, 2014), la película, probablemente comete un solo error, pero no sé si sea tanto un error por encima de una decisión creativa: No profundizar en la mente y motivaciones de Mario Moreno como un ser humano.

Si tratase de un error es uno fácil de cometer ya que el humano esta largamente muerto (RIP 1993) y cualquier anécdota o historia que se cuente de él terminará siempre siendo una leyenda. Una declaración testimonial nunca será la verdad y, como decía el agente Fox Mulder, "la verdad está allá afuera".

Así que solo nos quedamos con el símbolo. Lo que Cantinflas representó para una época. Una comunidad. Un momento en la historia. El personaje que soñaba con ir de rags to riches y lo logró.

Hay un trend en la media moderna de empatizar con el hombre que aspira al imperio. Walter White y su imperio de meta. Jordan Belfort y su Wall Street alucinante. Si bien Moreno en la movie nunca externa su fantasía final, podemos deducir por sus múltiples esfuerzos, es un cuate con ambiciones. Boxeador, torero, comediante, all around showman. No estamos lidiando con alguien que pretende ser barrendero por siempre. Quiere más.

Cuando comienza a escalar su cima de éxito es inevitable pensar en las decisiones que toma uno cuando es joven e impulsivo. Contrae matrimonio con esta bella rubia rusa de ensueño que parece ser la pareja perfecta de un chavo idealista pero no está cortada para lidiar con la tijera del businessman ausente, coqueto y escandaloso. Ahí está el detalle.



La tradición novelera mexicana pretende hacer culpable a Moreno (y lo logra) pero ni él, ni su esposa son (tan) responsables de una relación decadente. Digamos que el hombre siempre tuvo un plan y ella no estaba en el trazo. Pero, a diferencia de los cuates que cité hace unos párrafos, Mario sabe corregir su camino, dignificando a la tradición nacional chafa del "me maltrata porque me quiere" metafórico.

Hay por ahí un Plot B (o A, depende por donde se le vea) de Mike Todd y los extranjeros que quieren producir La Vuelta al Mundo en 80 días (movie por la cual Cantinflas ganó el Golden Globe a mejor actor) pero no puedo profundizar en ello ya que eventualmente todo lo antes mencionado culmina en eso. Se que suena extraño. Por alguna misteriosa razón editorial la película está cortada entre pasado y presente, los 30's y 1955.

Quienes me conocen saben soy ignorante respecto al cine mexicano (les recomiendo a un camarada que tiene un background mucho más puntual sobre el tema) pero me resulta tan emocionante cuando salgo de ver movies como ésta, Tlátelolco: Verano del 68, Santos vs. La Tetona Mendoza, incluso el mismo Fantástico Mundo de Juan Orol (de Sebastián del Amo) y se hace poco a poco añicos esa niebla de negatividad que ha rodeado por años al cinema nacional. A veces a uno se le atrofia el cerebro cuando vamos a ver Transformers volumen 20,000 o reboots de Tortugas Ninja y se convierte importante, ya sea voluntario o simplemente condición cultural y/o económicamente circunstancial, un cinema mainstream que trata de hacer otra cosa.


martes, junio 17, 2014

La más civil de las batallas

Voy a proponer una opinión menos cínica hacia el soccer por que parece ser lo único de lo que habla todo mundo en estos días.

La principal razón por la que no me gusta el fútbol es por la misma que el béisbol sí: Mi padre. Es algo que he estado pensando los últimos días. Recuerdo que desde niño iba a los partidos de los Padres con mi apá y es por él que aprendí a comprender/querer el deporte. Pudo haber sido cualquiera. Por ejemplo, mi padre también es San Diego Charger pero a mí el Americano jamás me ha entrado (exceptuando en las movies, estoy de acuerdo es uno de los sports más cinemáticos.) Y reflexionando sobre lo mismo, creo que mi papá nunca se metió en el soccer por que al parecer mi abuelo si era chutalero (no lo sé, nunca lo conocí, lo he escuchado en bits y piezas de conversación a través de los años) y posiblemente la rebeldía se brinca una generación en la familia.

El beis es interesante para mí. Es pasivo (algunos dirán aburrido, está bien), disfruto la estrategia ajedrez-like, el ritmo, la precisión, su naturaleza democrática basada en turnos, el glosario de modismos que se han colado al lenguaje para describir la vida. Cuando otra gente habla del fútbol con pasión desenfrenada no lo entiendo, de verdad, probablemente de la misma manera que cuando alguien me escucha hablar sobre baseball.

Y no es nomas sobre los deportes. Uno puede ser pasional con las películas. La cocina. Gadgets de tecnología. Zapatos. Estamos construidos, quiero creer, y no sé si en proporciones exactas, un 50% por lo que crecimos-con y el otro 50% por lo que vamos descubriendo en la vida.



Recuerdo que en la primaria y quizá la secundaria, había breaks y espacios para cascaritas de fútbol. Siempre me elegían de portero, no sé si porque era el más desinteresado, flojo o el único pendejo dispuesto a aventarse sobre duro asfalto. El USA 94 y el Francia 98 eran un big deal y ahí fue donde empecé a notar que la gente se volvía loca por el soccer. La media ya hablaba de #PonerseLaVerde y #SiSePuede cuando el hashtag era solo un signo de gato en los teléfonos y Nokias 5110.

A pesar de ello, nunca me metí en el soccer. Repito, yo estaba ya mucho más interesado en los cuadrangulares de Sammy Sosa y Mark McGwire, los ponches de Randy Johnson y Greg Maddux, los imparables de Tony Gwynn y la carrera por el World Series del noventa y ocho.

Cuando la educación deportiva dejó de ser obligatoria y dejaron de elegirme para cascarear, justifique mi pereza con un nuevo y descubierto interés conocido como las películas.

Probablemente la etapa más irritante de mi vida fue cuando me inicié en el cine de arte y empecé a condenar los deportes, sobre todo el fútbol, como entretenimiento de simios. La gran manipulación de las masas. El circo del pueblo para mirar hacia el otro lado de los problemas. Si bien eso tiene proporciones de verdad, no hay industria exenta de maquinaciones turbias. Solo hace falta ver las movies de Adam Sandler.

A los dieciocho que capacidad de análisis tiene uno y naturalmente queremos ir contracorriente. Caray, todavía existe gente en sus treinta o cuarenta que observan el deporte con desprecio como si fuese un villano a derrotar. Uno que impide a la cultura evolucionar hacia otro plano de existencia. Comunicarnos con telepatía y levantar las bolsas de Doritos con telequinesis.

No sabemos nada del mundo y solo queremos pertenecer. Hacer y compartir los mismos rituales que práctica el resto. Por algo los cinéfilos seguimos yendo al cine cuando podríamos ver (casi) todo en digital o Netflix. Es un templo. Nuestro templo. Cada quien tiene el suyo.

La Copa Mundial en especifico porque tenemos a un pequeño crew de seres humanos representando colores y países. Hay una razón para que los equipos, de cualquier deporte, estén vinculados a una liga o una ciudad. Es por la misma razón que existen los políticos, las sucursales o los comités vecinales: Necesitamos (en teoría, no estoy tan de acuerdo) a alguien que nos represente donde no estamos o podemos estar. Los Dodgers son de Los Ángeles. Los Cowboys son de Dallas. La Selección Mexicana es de México. Con el uniforme se cargan los sueños y aspiraciones de todo un grupo de habitantes: Demostrar vía la competencia que somos superiores al resto. Esa es una tradición que viene desde los ancestros. Desde los changos hasta los emperadores. La conquista y la guerra. En ese espectro, el deporte es la más civil de las batallas. A nadie se le corta la cabeza como los Aztecas. Se invade otra nación con permiso y acuerdos, no con explosivos y balas. Se determina mediante acciones calificables (no como el arte, donde todo es subjetivo) quien de las pandillas es la mejor de todas.



viernes, mayo 16, 2014

La importancia de la familia: Godzilla



¡Cuidado! Posibles spoilers adelante:

GODZILLA (2014)

Quizás no de la familia en sí, pero del linaje. O el legado.

Hay un momento ligeramente triste cuando dos MUTOs, un macho y una hembra, lloran por la pérdida de su nido. Cientos de descendientes extintos por el avasallante poder del fuego. Una explosión. En el contexto de la movie, las criaturas no son una fuerza para empatizar con, pero no podemos dejar de sentir que se trata de animales. Como insectos gigantes. Viven para reproducirse y apoderarse de su entorno.

Godzilla no puede permitir que eso suceda, porque en cierta manera, el mundo es su propia descendencia. En un twist a la mitología original, Godzilla es una criatura antes del tiempo, que vive en el fondo del mar como protector del planeta. Es emocionante esa idea esotérica del elegido en forma de reptil, como un Neo para la Matrix, como el Jedi que traerá balance a la Fuerza.

Asumimos Godzilla habita solitario en el abismo (dejaremos que las secuelas nos respondan esto) existiendo como el rey sin casta. Tal vez una alegoría mas ad hoc seria el samurái sin amo. Un ronin. El cowboy de la naturaleza que viene a limpiar el pueblo de las pestes. No tiene nombre, lo llaman como un Dios, y como llega se desaparece.



Lo que da peso a estas ideas son dos padres humanos que complementan la película. En un span de 15 años, el primer papá sufre una pérdida terrible y en consecuencia también a su hijo. Los niños son importantes en el film por que muchos descubrimientos se hacen desde sus ojos. La primera destrucción de la planta nuclear (la cual tiene ecos sincrónicos durante su segunda destrucción, poniendo al hijo, 15 años después, presenciando lo mismo). La secuencia del subway en Hawaii, tiene en el centro a un niño. La primer aparición de Godzilla, es vislumbrada por una niña. En la evacuación del puente Golden Gate, la segunda aparición de Godzilla, se explora desde un autobús escolar, lleno de infantes en fuga.

El hijo original, ahora siendo un militar adulto, tiene la típica implacable misión gringa de proteger a su familia. Al resto de las familias. En una movie mas chafa, estaría haciéndolo solo por América. Sí y no. Por que mas allá de patriotismo simplón, lo que se trata de proteger siempre es el patrimonio. El linaje. Más allá de las fronteras, es la vida quien insiste en perseverar. Es el hijo quien prende fuego a las crías de los MUTOs. Es un acto igual de despiadado que permitir que los especímenes nacieran. Solo puede existir uno.

Godzilla entonces deja de ser únicamente el monstruo gigante y se convierte en un símbolo de la urgencia interna para sobrevivir. Porque hacemos lo que hacemos. Hay un momento emocional en el que Godzilla y el humano intercambian miradas. Uno reconoce al otro dentro de sí mismos. Tu eres yo y peleamos por lo mismo. El legado de la humanidad.



lunes, abril 21, 2014

Movimientos de cine independiente

Una de las expresiones que más odio es aquella que sugiere mirar al pasado para poder prevenir el futuro. Evitar los mismos errores. Siempre excava en lo negativo y nunca nadie te invita a volver al pasado para resolver o encontrar respuestas positivas de lo que vendrá.

Otra frase que odio, que no es tanto en si una frase, sino dos palabras que más veces que siempre se arrojan en conjunto son: Movimiento e Independiente.

Y estoy seguro que ninguna de ellas nace con malas intenciones, al contrario (yo también falté a eso en mis tareas universitarias ). Me voy a poner pragmático solo por las intenciones del texto, que estoy casi seguro al final de éste todos zarparemos en el mismo barco sobre los movimientos y la independencia.

Los que me leen cuando se me antoja escribir saben que el 90% de mis desvaríos son sobre cine. Sobre lo que veo en otros y ahora, desde que abrí mi productora y decidí hacer una película, empiezo a preguntarme sobre lo que veo en mi. Sobre esta cosa que llaman movimiento.

Me pregunto si la palabra movimiento de entrada, ya sea antes o después de cine, consiste en pleonasmo por que el cine es movimiento. La cinemática, que es de donde viene la palabra cinematografía, es el estudio de la trayectoria en función del tiempo. A la cinemática no le preocupan las causas del movimiento ni las fuerzas que lo originan (eso lo hace la mecánica) sino, por ponerlo románticamente, ver las cosas suceder. Es una definición hermosa y perfecta por que, una movie es una movie, perdemos más en tratar de descifrar quien, donde o por qué se realizó que en ponernos a estudiar su movimiento en relación a nuestro tiempo. Lo que llamo la experiencia cinemática, pues.

Ahora, hablar de independencia siempre es muy vago porque para algo ser independiente, tiene que haber estado conectado en algún momento a otra cosa. O quizá no, pero de alguna manera u otra existe un vinculo etéreo. En términos políticos por ejemplo, es el "movimiento" de personas que quizá buscan una autonomía nacional. En el arte se vincula a tendencias de nichos específicos. Tendencias también conocidas como, vaya sorpresa, "movimientos". El cine que no está condicionado a otro.

Hay todo un argot establecido de las palabras movimiento e independiente en relación al cine, no me estoy haciendo el tonto. Para entender las cosas y su lugar en la historia es necesario ponerles un nombre, y los movimientos de cine y el cine independiente tienen definiciones concretas, pero, como dije arriba, este texto tiene intenciones pragmáticas de convertirse en una guía de lo que vendrá. Necesito que me sigan.



Entrar a producir una película, por más barata que sea, es costosa. De tiempo, recursos y dinero. Y de las tres, para bien o para mal, la única que se puede recuperar es el dinero. Eso es el capitalismo. Convertir las perdidas en inversión y las ganancias en beneficios.

Porque a estas alturas, habla un ciudadano mexicano en medio del 2014, el cine, como industria de manufactura creativa pertenece a una infraestructura establecida por gente que no somos nosotros (ahora me referiré a ti y a como nosotros) estamos sumergidos en un ciclo de producción que le beneficia a algunos y no a todos. Y no soy hippie. No estoy pidiendo que nos regalen cosas que no nos merecemos, sino propongo que vayamos a ganarlas por otro lado.

Exhibición A: Thomas Alva Edison era un cabrón. Si algo no existía él lo inventaba (o robaba, dicen) y registraba la patente. A la larga mejoró las condiciones de vida de la humanidad, pero ante todo, hizo lo posible por mejorar su cartera. Era un hombre aprovechando la extensión de su creatividad para hacer dinero con ella. Una de las tantas invenciones que estaban a su crédito era el kinetoscopio, primera versión de cámara para registro y proyección de cine, atrás en 1892.

No es necesario recordar en qué se convirtió ese pequeño fenómeno de hacer cine, pero por muchos años (entre 1894 a 1918) cualquier persona o compañía que quisiera hacer una película, indudablemente tenía que utilizar la tecnología de Edison, lo que significaba pagar una cuota a la Motion Picture Patents Company (a.k.a. el Edison Trust) e incluso aquellos que no, operaban bajo amenaza de litigación por violar la patente. Para hacer cine tenias que pasar por una sola y misma persona en Nueva Jersey, imaginen eso.

En algún momento de la historia los carteles de cine eran solo fuentes
Biograph, una de las compañías que si pertenecían a la MPPC, decidió en 1910 enviar a D.W. Griffith y un crew de actores a grabar un western por primera vez en la historia al mágico lugar donde ocurrieron las cosas: California (entonces todos operaban en Nueva Jersey o Nueva York). Por muchos factores, ya sea el clima, los paisajes o la lejanía de todo lo establecido, el lugar que se eligió para filmar fue un pueblo llamado Hollywood, quizá hayan escuchado hablar de él.

En una época sin internet, de alguna manera u otra las noticias de este maravilloso lugar llegaron a la east coast de Estados Unidos. En 1913, cansados del monopolio Edison de producción que imperaba, un grupo de rebeldes decidieron hacer un "movimiento" permanente al oeste. Inventaron sus propias cámaras y empezaron a trabajar "independiente" a las garras todopoderosas del Edison Trust. De costa a costa, y sin e-mails, para Nueva York era casi imposible tener control de lo que ocurría en California. Se establecieron pues en Hollywood unas pequeñas compañías que quizá hayan escuchado hablar de ellas: 20th Century Fox, Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Warner Bros., y RKO Pictures.

Pues bueno, se habían fugado. Ahora estos independientes tenían que formar sus propios métodos de exhibición y distribución. Y les funcionó.

Para 1918 ya se había establecido la ley que cancelaba las patentes del Edison Trust (ahora ya todos podían hacer movies, según) pero ahora habría que pelear contra un nuevo monstruo: El studio system.

Las pequeñas compañías indies que pudieron, se convirtieron ahora en la estructura vertical que no permitía la entrada a nuevos productores. La historia repitiéndose otra vez.

En 1941 varios actores y productores como Mary Pickford, Charlie Chaplin, Orson Welles y Walt Disney establecieron la SIMPP (Society of Independent Motion Picture Producers) para destituir al oligopolio de los estudios. Para 1943 la Suprema Corte de EU ordena a Hollywood erradicar sus prácticas de control. Exit: La época de oro. Enter: La tercera venida de los independientes.

Y así sucesivamente y así...



¿Cuál es la moraleja de la historia?

Del 2011 para acá, es emocionante que se hacen cada vez más películas en Tijuana o en general Baja California. El año mas prolífico, según mis records (y mis records no son los oficiales) ha sido el 2013 con ocho estrenos: Yan She II, Suena, Pares y Nones, Navajazo, Basura, Apocalipsis Zombie Origenes, Regina, Levantamuertos.

El problema no es la producción, si pensamos en que los números solo van a incrementar, nunca retroceder, sino las posturas extremas que toman sus productores. O guardan su película para siempre en un cajón (o el hard drive) después de dos o tres exhibiciones gratuitas o están empujando demasiado por colarse al Edison Trust de la actualidad, que es la "industria" de cine mexicana. Ninguna de las dos son viables.

La moraleja es que no podemos hablar de movimientos e independencias si no hacemos nada por generarles.

Aprovechemos las ventajas de los tiempos:

a) No tenemos que inventar nuestras propias cámaras y equipos de video. Ya son lo suficientemente baratas para que las maquinas se ajusten a nuestros modelos de producción.

b) Hace cinco años se estableció la primer escuela de cine en la región, el año pasado la segunda. Fuera de los juicios y comentarios que se puedan originar, estamos hablando de generaciones con conocimientos profesionales que aunque sea en "papel" están aptos para gestionar proyectos cinematográficos.

c) Hay una nueva ola de empresarios jóvenes y pequeñas empresas con las facultades y recursos para invertir en producciones baratas. Usualmente hay miedo y desconfianza por que se plantean modelos astronómicos de producción, pero hay que pensar en estrategias de exhibición y distribución que beneficien a las dos partes (creativa y económica).

d) Finalmente, el internet, oh, internet. ¿Qué haríamos sin internet? El medio más barato, rápido y de largo alcance de nuestra era para difusión, publicidad, distribución y exhibición. Si el porno amateur ha logrado hacerse de larga vida online, ¿por qué nosotros no?

Les dejo este texto como comida para el pensamiento. Ya vendrán los postres.

domingo, febrero 02, 2014

Bad Grandpa no es tan malo

Este texto contiene spoilers, si es que acaso esta movie puede ser arruinada.

El momento más importante de Bad Grandpa, el más reciente brainchild de los genios en Dickhouse y Jackass, y que lo veiamos venir desde el trailer, es el concurso de belleza infantil que Johnny Knoxville (como el abuelo Irving) y su nieto Jackson Nicoll crashean cerca del final de la movie. Jackson (Billy) es un niño. El concurso es para niñas. Esas horribles competencias donde madres gordas y frustradas disparan maquillaje en los cachetes de sus hijas y las entrenan para actuar como prostitutas. Coquetearle a los jueces sin saber que 10 años más tarde esas sonrisas y maneras de andar responderán a consecuencias sociales mas sustanciales. Y no quiero sonar como una doñita espantada por qué no lo soy. Ni si quiera tengo hijos, me da igual hasta cierta extensión como cada quien decide educar a los suyos. Pero hay que amar la paradoja. Ellas son las mismas madres aterradas ante la presencia de un niño literalmente vestido, no solo como mujer, sino como stripper. Meneándose con gracia en un poste que sostiene orgullosamente a la bandera Norteamericana. Algunas cubren con horror sus ojos o los de sus hijos, expectando en shock, consternados desde las butacas ante semejante despliegue de inmoralidad.

¡Oh la humanidad!

Bad Grandpa (Abuelo Malo, traducción literal) realmente no es tan malo. Maldad como conjunto no es necesariamente el atributo que yo decidiría utilizar para clasificarlo. Toda la película se trata sobre un viejo que insiste en renunciar a la única familia que lo quiere, su nieto Billy. Su esposa recién murió, su hija es una drogadicta y su yerno parece vivir de una serie de negocios ilegales. Billy es algo que no quiere, ni cree necesitar a estas alturas de su vida. Está viejo y cansado (aunque sus acciones demuestren lo contrario, las explicare más adelante). Billy es una carga, al menos de principio, pero al final, decide aceptarla. Se vuelven amigos en el camino. Lo más importante, aprenden a quererse.

Bad Grandpa no es una historia de maldad, sino de transformación. De aprender a jugar con las cartas que se nos han entregado y disfrutarlo. Descubrir que cuando nos sentimos solos, a quien necesitábamos siempre estuvo a nuestro lado.



¿Por qué sería malo Irving? ¿Acaso porque decide abandonar (o utilizar como peón, por lo contrario) a Billy en cualquier oportunidad de coquetear e intentar seducir mujeres en la calle? Se trata de un anciano de 86 años fatigado, más cerca de morir que de vivir, que utiliza como ventaja el deceso de su esposa para liberarse emocionalmente. Si no liga e intenta coger una última vez, quizá no pueda volver a tener esa experiencia fabulosa. La experiencia de la vida. ¿Qué hombre no puede empatizar con eso? No ocupamos irnos tan lejos, ¿cuántos hombres de 40 or less no quisieran dejar ya a su mujer por una colita veinteañera? ¿Es eso maldad o simplemente biología?

Y al final, ¿como explicamos que Irving fracase en cada intento, de los múltiples que hay a lo largo del film, para cumplir con su objetivo? Quedarse con Billy, de la manera que la película nos lo plantea al final, no es un acto de resignación. Legítimamente Irving se da cuenta que "ya está muy viejo para eso". Su quest por la nueva vida no vendrá con las experiencias que consiga (no a estas alturas) sino en preparar a su nieto para las suyas. A la edad de Billy todos necesitamos a esa figura paterna que nos guie. Que nos enseñe a pescar. Que nos prepare para explorar la sexualidad y los dilemas morales de la adolescencia, y quizá eventualmente, formar una propia familia. Para que Billy no se convierta, cuando llegue el momento, en un abuelo malo por sí mismo.



¿Quién es el malo entonces en una película que lleva el adjetivo en su titulo? Los cineastas, es una buena opción. Documentalistas que se empeñan en mostrarnos la complejidad de la existencia. Mostrar a gente común que no está dispuesta a romper las normas de su cotidianidad (o la legalidad) cuando se enfrentan a las circunstancias. Miedo a lo desconocido. A lo anormal. A lo extravagante. A las cosas que vistas desde otra perspectiva pueden ser tan naturales, y en el contexto indicado (como el de esta movie) hasta risibles. ¿Por qué debemos reímos de la miseria y el rechazo?

Entonces, ¿qué tal si los malos no son los cineastas, sino nosotros? Es más sencillo negar nuestras fallas cuando las topamos en el reflejo del espejo y el distanciamiento que nos ofrece una pantalla. El cinema experimental no solo es cosa de acudir a lo abstracto de la imagen, también está en la evocación de los sentimientos, lagrimas o risas. No es solamente la obra que en lo general se cataloga como aburrida y la aplauden solo unos cuantos pretensiosos intelectuales. El verdadero artista experimental del presente encuentra la manera de subvertir nuestras expectativas, forzarnos a evaluarnos y hacer una parada donde no estamos, o peor aún, no queríamos estar.

Ser bueno o malo, depende de cada quien.


sábado, enero 18, 2014

Movies del 2013: Las nominadas al Oscar

Hace dos semanas publicaba mis movies favoritas del 2013. Ahora les vengo con una especie de listado 1.5. Usualmente las películas nominadas a los Oscar se estrenan en cines mexicanos hasta los primeros meses del siguiente año, incluso muchas veces dependiendo de los resultados de las mismas en la premiación. Salvo Gravity, la movie que todo mundo vio en el otoño y hace unas semanas The Wolf of Wall Street, las demás siguen flotando en el próximamente.

Porque el destino es interesante, y abundan los screeners regados en PirateBay, es la primera vez que he visto mínimo el 80% de las nominadas a Best Picture del 2013. Y las he visto por que hubo un interés legitimo de mi parte. Hasta Saving Private... digo, Mr. Banks, que terminó fuera de la competencia (y qué bueno, no tiene personalidad) por que pensé haría un bonito comentario sobre la cura de explorar el cine dentro del cine.

Algunos opinan que los Oscares no tienen validez alguna, es una selección hecha por gangsters o mero entretenimiento. Tal vez. Que quizá no reflejan nada especial, pero ahí es donde difiero tantito. El problema no es la premiación como conjunto, sino los ganadores. La evaluación del arte es subjetiva y galardonar algo como mejor no necesariamente significa que lo sea. Si la gente se enoja o aplaude cuando triunfan sus quinielas es porque de alguna manera se siente la aprobación o el rechazo de nuestras opiniones. "¡Tenia razón! Es la mejor película del año. Soy todo un crítico de cine" o "¿Que gano quién? ¡Película tan mas culera!".

En el gran panorama de las cosas, lo importante, lo que se queda en la historia, son las selecciones. Lo que las mismas hablan sobre el estado del cinema actual o mainstream. La distancia entre los tópicos o las escalofriantes similitudes. Las cosas que son relevantes para una industria que sin duda las usa como punto de referencia para perpetuarse a sí misma. Que directores, guionistas, actores, etcétera consigan mas trabajos. ¿Cómo creen que se encuentra el buzón electrónico de Alfonso Cuarón en estos días?

Si algo mínimo, son un tema para conversar entre cinefilos y el espectador común, y la conversación amigos, esperemos sea algo que nunca sobre.

Aquí unos comentarios sobre las siete que vi.



LA PEOR DEL MONTÓN:

12 Years a Slave (Dir. Steve McQueen)

Hay que agradecer a Django Unchained por salir primero y taclear un tema importante, con una aproximación mas cinemática, y en comparación, sin tomarse tan en serio. Y no es que diga que un tema de esta índole (al menos para los gringos) no deba aproximarse con seriedad pero yo no me la compro. Es una pieza aburrida de explotación como alguna vez acusaron a Mel Gibson y su Pasión de Cristo. Lincoln de Spielberg estaba más emocionante, así se las dejo. Esclavo por Accidente (@joeytijuana dixit) es manipulación emocional de la que gusta, y posiblemente por ello continúe siendo el top choice para ganar todo.

¿Qué premio le daría yo? NINGUNO.



EMOCIONALMENTE CONFUNDIDO SOBRE:

Gravity (Dir. Alfonso Cuarón)

Ya he hablado mucho de Gravedad. La coloqué en primer lugar de mi lista por que la considero la obra más emocional y tecnológicamente significativa del año (y para mí eso es importante) pero debo admitir, no le daría un galardón que celebra al tradicionalismo.

¿Qué Oscar le daría yo? Mejor dirección a Cuarón claro, y arrasar en los rubros técnicos.



Y EL PREMIO WANNABE ARGO 2.0 ES PARA:

Captain Philips (Dir. Paul Greengrass)

Mas de acción que otra cosa, con todo y la tensión excesiva, últimamente me cuesta trabajo conectar con este tipo de movies cuando están basadas en hechos reales recientes. La primera mitad me pareció la mejor parte. La incertidumbre de una tripulación completa se convierte en un problema estresante, pero en la segunda mitad me fue difícil preocuparme por la vida o muerte del personaje que ESCRIBIO EL LIBRO en el cual el film está basado.

¿Qué Oscar le daría yo? Edición audiovisual: montaje y/o sonido.


ESCÁNDALOS AMERICANOS:

American Hustle (Dir. David O. Russell) y Dallas Buyers Club (Dir. Jean-Marc Vallée)

Ambas son similares en que cuentan la historia (verídica, una vez mas) de personajes puestos en las circunstancias ideales para estafar al sistema y hacerse ricos de sus irregularidades (la ultima de esta lista también comparte esa influencia).



A veces la cosa no está en el producto final, sino en las expectativas. De las nubes donde viene Russell esperaba mucho y American Hustle me pareció un intento de algo más no logra nada. La relación entre Christian Bale y Amy Adams es una cute, con posibilidad de estar a la altura de Lawrence y Cooper en Silver Linings Playbook pero Hustle se convierte en la historia de amor por el dinero y los engaños, no entre una pareja. La película de amor definitiva este año la comentare más adelante. Y ojo, no estoy diciendo que las movies tengan que ser cursilerías románticas para ser buenas, simplemente tienen que ser algo. Actores chingones interactuando nomas porque si una buena película no hacen.



En la otra mano tenemos a Dallas Buyers Club de la cual no sabía que esperar y terminó siendo una cosa cautivante. Dos palabras: Matthew McConaughey. Si alguien se merece el premio de Bad Motherfucker este año es McCounaghey. Entiendo es emocionalmente manipuladora también, pero los problemas que resalta no son únicamente sobre cómo hacer mucho dinero rápido, sino cuestiones de salud. Se ha hecho más popular que la película el gimmick de Matthew a forzarse a perder más de 20 kilos para el papel. Y considero ese es el objetivo. No siempre sabemos cuán importante es la salud hasta que la tenemos en riesgo. El film lidia con las mafias que administran las drogas y la negligencia médica. Podrá ser una construcción ficticia basada en una realidad, aún asi, es la movie de este año que en mi opinión logra chocarnos admirablemente con un tópico relevante.

¿Qué premios les daría yo? A Amy Adams por sus roles en Her y Man of Steel y a Jennifer Lawrence por The Hunger Games: Catching Fire.

Y definitivamente a Matthew McConaughey y Jared Leto por ser unos cabrones.



EL ROMANCE HIPSTER:

Her (Dir. Spike Jonze)

Jonze siempre tendrá un lugar suave en mi corazón por producir Jackass, el único programa y serie de películas dignas de considerarse patrimonio de la humanidad. De sus movies como director no soy muy fan. Her está bonita. Bonitos colores. Bonitas actuaciones. Bonita intención. Nos quiere preguntar un montón de cosas sobre el amor, y si el mismo está sujeto a cuerpos físicos o es posible tener relaciones emocionales con un fantasma intelectual. Es la nominada del bonche cuyo tema no aspira a mucho (o aspira al tema más filosóficamente importante, el amor) y lo que intenta, puedo decir está bien logrado: Ser la movie romántica que los hipsters van a citar de aquí hasta que nuestro Instagram piense.

¿Qué premio le daría yo? Diseño de producción y guión original.



EL LOBO DEL CINE:

The Wolf of Wall Street (Dir. Martin Scorsese)

Ya he expresado mi odio reciente a películas innecesariamente largas. En lo mismo que dura la nueva de Scorsese puedes quemarte dos volúmenes de Actividad Paranormal, las que sean, y sobran 10 minutos. Es más, ni La Desolación de Smaug dura tres horas cerradas. ¿Pero saben qué? The Wolf podría durar seis y no pasaría nada. Tiene un montón de energía. Un Scorsese de 71 años canalizando a su versión de treinta para retratar sus trips de cocaína. Es una de las mejores aventuras del anti-héroe moderno. Leonardo DiCaprio le da una corrida por su dinero a McCounaghey como protagonista. Podríamos estar de acuerdo o no con las posturas morales del Lobo, pero me resulta mucho más interesante referirlo a aquel famoso discurso de Tarantino en Kill Bill: Superman es Superman aunque se disfrace de Clark Kent. The Wolf of Wall Street nos enseña que somos lo que somos y lo vamos a cargar hasta la cripta. Tan pronto caigamos en términos con ello, más felices seremos, porque si no lo haces tú, ahí viene alguien detrás para hacerlo.

¿Qué premio le daría yo? Mejor película del año.

*Al momento de esta publicación no he visto Nebraska y ni en un millón de vidas vería una película titulada Philomena.

viernes, enero 03, 2014

Mis TOP 20 movies favoritas del 2013

Siempre los listados están sujetos a dos cosas: Primero, a las movies que vemos vs. las que no, independientemente de su popularidad. Tratamos de ir al cine lo mas que se pueda o navegar por el piratebay, pero a veces hay películas que todo mundo vio y lamentablemente, por razones X o Y, se deslizaron debajo del radar. No vamos a mentir tampoco. Esto está sacado de una piscina de lo que vimos estrenado en el 2013 (aunque algunas sean del twenty-twelve).

La segunda, y el disclaimer que siempre hago, se tratan de MIS favoritas. Este año vi más de 50 movies en teatros, probablemente otras 50 en mi ordenador y de todo ese licuado de información, estas son las 20 definitivas que me quitaron el sueño. Que me dejaron pensando más de un día sobre cosas mías o cosas del cine en general. Sobre el pasado, el presente o el futuro. Sobre situaciones muy personales o eventos de la cultura popular.

Una lista no se trata de alguien imponiéndose a otro, sino una posible guía de cosas para ver.

Comenzamos:



20.- BEAUTIFUL CREATURES (Dir. Richard LaGravenese)

Hay muchas movies que son víctimas del síndrome post-Twilight, para bien o para mal. Es decir, personas (por no decir mujeres) que corren al cine a verlas para llenar un vacío emocional u otro tipo de personas (por no decir hombres) que las repelen como gato arrojado al agua. Beautiful Creatures apareció en mi Netflix un día y decidí picarle play. I regret nothing. Por algo está en #20. No es lo mas chingón del año, pero de lo cursi, es de lo mejor.



19.- THE LORDS OF SALEM (Dir. Rob Zombie)

Rob Zombie es en mi opinión el mejor director de horror que trabaja en el mainstream hoy. Hasta soy fan de sus Halloweens, incluso la repudiada segunda parte. Se permite dejar sellos particulares y ofrecer un cine de género pop que ya no se hace. Este film en especial se trata de un mal viaje, una pesadilla psicotrónica cargada de visuales malditos y brujería desconcertante. Extrae lo mejor del cine exploitation setentero que sin cuestión ha forjado a Zombie y lo moderniza, lo demoniza, lo vuelve rocanrol.



18.- V/H/S 2 (Varios directores)

Ya que estamos con el cine macabro, en alguna ocasión comentaba que las antologías de horror vienen a ser las salvadoras del género en tiempos donde la mayoría de movies del mismo (especialmente las que salen en cines) se parecen. Los cortos entonces, en esta Edad del Internet, vienen a ser el showcase para creadores talentosos, perrones y propositivos. De empujar los límites de lo permisible, para ver cosas que jamás veríamos en otro lado. ¿No me creen? Les encargo los cortos Alien Abduction Slumber Party de Jason Eisener (Hobo with a Shotgun) y en especial, si no quieren dormir por una semana, Safe Haven de Gareth Evans (The Raid) y Timo Tjahjanto (The ABC's of Death).



17.- ELYSIUM (Dir. Neil Blomkamp)

Esta es una película particular porque detrás de la ficción o su naturaleza de opera espacial, se siente cercana a los conflictos que conocemos quienes vivimos en la frontera México-Americana. Muy pocas veces se utiliza el cine de fantasía, al menos al nivel del blockbuster actual, para denunciar una problemática social directa y el interés por el bien común encima de la búsqueda personal del héroe. Se me ocurre Oblivión de Joseph Kosinski por ejemplo, que también me gustó pero es una odisea más individual y no tanto de interés cultural. Advierto, ninguna película está obligada a serlo, pero se aprecia cuando lo hacen.



16.- BLANCANIEVES (Dir. Pablo Berger)

En lo único que se parece a The Artist es que se trata de un film mudo y en blanco y negro, por si pensaban que era una copia. Se enfoca mucho más en tropos de la cultura española que en intentar hacer comentarios sobre el cine mismo. Me pone mucho a pensar sobre las emociones humanas cuando una fabula, un (re)cuento de hadas universal, sin palabras y únicamente imágenes + banda sonora, pueden sacarte lagrimas o suspiros en pleno rápido y furioso siglo XXI.



15.- MANIAC (Dir. Franck Khalfoun)

Esta es una excepción en la lista por qué no se ha estrenado en cines mexicanos, salvo uno que otro festival. Testamento a que me gusto tanto como para dejarla fuera. Es la Drive de este año sin el coolnes y el hype para ponerla en primer sitio pero con esas ganas del cine europeo. Re-adaptada y producida por el mismo Alexandre Ajá. Toda contada desde el point of view de un asesino, un maniaco que colecciona cueros cabelludos femeninos. Sus ojos son nuestros ojos y nos sumergimos en un vibrante y tenso viaje (banda sonora chingona también) digno de cualquier vibra Enter The Void.



14.- CARRIE (Dir. Kimberly Peirce)

Habla mucho de los tiempos y la sociedad cuando una historia que se contó hace casi 40 años sigue siendo relevante (si no aún mas) hoy. La mezcla perfecta entre el drama adolescente y el horror. La dualidad permea una movie que se refleja en la moral de los personajes, entre decidir quién es la víctima y quién el victimario. La búsqueda de la identidad, la represión religiosa o el abuso escolar. Una niña necesitada de ayuda, que sin saber, tiene los poderes para ayudarse sola. Es de las pocas movies en la humanidad que conocer el spoiler final de antemano le beneficia más que perjudicarle.



13.- HANSEL & GRETEL: WITCH HUNTERS (Dir. Tommy Wirkola)

Sigue vivo el trend de adaptar folk stories, libros o personajes clásicos, esos que siempre se estrenan en enero, el mes menos interesante para el cine. Juanito y los frijoles mágicos, Blanca Nieves y el cazador. Por ahí viene otra de Frankenstein. La mejor del bonche sin duda es Hansel & Gretel porque sabe no tomarse en serio. Es una movie de acción barata que depende más del montaje que de los visuales generados por computador. Se parece más a las cosas suaves de los 80's con todo y un troll animatrónico que no le pide nada a las Tortugas Ninja.



12.- THE PLACE BEYOND THE PINES (Dir. Derek Cianfrance)

Esta es otra que pasó debajo del monitor de varios. Son como 3 películas en una, la siguiente más emocionante que la anterior. Una especie de Cloud Atlas cronológico y sin los elementos fantásticos claro. Se narra una historia entre el span de 2 generaciones y como las consecuencias de nuestras decisiones y/o acciones repercuten no solo en los que queremos ahora, si no en la descendencia de quienes vendrán. El gancho visual es Ryan Gosling en lo que parece una secuela espiritual de Drive, pero nos quedamos con el performance del genial Bradley Cooper.



11.- MOONRISE KINGDOM (Dir. Wes Anderson)

Parece más vieja pero realmente la vimos en cines locales apenas este abril del 2013. Soy fan de Anderson aunque estoy consciente que hace cosas para audiencias selectas, se puede decir que hasta sufre del síndrome Tim Burton. Para mi Life Aquatic es la movie mas bella del director pero creo que Moonrise Kingdom le dio una corrida por su dinero. El eterno drama del joven amor imposible. Romántica, incomoda y pop, quizá el cine de Wes Anderson ya no parezca tan novedoso, pero films como los de él tampoco se ven diario.



10.- STOKER (Dir. Park Chan-Wook)

No he visto el remake de Oldboy pero creo que la movie americana de Park para ver este año fue Stoker. Con un ritmo inquietante y una estructura no lineal, para los que estamos más acostumbrados a los melodramas occidentales se convierte en un choque narrativo interesante con la sensibilidad de oriente. Son los excesos de la novela americana dirigida con belleza, precisión y huevos. Cuando vemos a realizadores como Kim Jee-Woon y su Last Stand y nos preguntamos: ¿Donde quedó su esencia?. Aquí tenemos a un director que se la queda.



9.- DJANGO UNCHAINED (Dir. Quentin Tarantino)

Otra que técnicamente es del 2012 pero no se estreno en nuestro rancho hasta enero del trece. Cualquier otro año, con cualquier otra película, Tarantino hubiera aparecido más abajo en la lista pero Django no fue todo lo que esperaba y de QT siempre espero demasiado. Es Inglorious Basterds otra vez pero con vaqueros. O mejor dicho, Inglorious era already su western. Es la movie que realiza un director que ya tiene influencia, poder y caprichos. Pero, con todo lo dicho (igual que me pasa con Wes Anderson) es muy difícil que hagan una movie que no me fascine. Después de todo, amamos Inglorious Basterds ¿qué no?



8.- SPRING BREAKERS (Dir. Harmony Korine)

Algunos textos online argumentan que si bien Spring Breakers no es la mejor movie del 2013, es la movie mas "2013" del año. La que captura el espíritu de los tiempos. El colapso de la cultura moderna. América y el capitalismo que se han apoderado de nuestros cerebros, convirtiéndonos maquinas de deseo sexual y la infinita persecución del dinero. O bien es puro exploitation. Una excusa cinemática para encuerar a la juventud Disney y exponer la eterna fabula del crimen que paga rápido y excelente. Lo que sea que Harmony Korine haya hecho, aplausos señor.



7.- END OF WATCH (Dir. David Ayer)

Créanlo o no, ésta la estoy guardando desde el año pasado. No la incluí en mi top del 2012 por que no se había estrenado acá y mucha gente no había escuchado de ella. Al final si apareció por un par de semanas. OMG. Qué buena película para morderse las uñas. En la vida real todos odiamos a los policías pero End of Watch los humaniza con todo y su prepotencia. Es esa astucia y sed imparable de salirse con la suya. Hasta aquellos que pretenden hacer el bien y detener a una red de narco más grande de lo que dos "hermanos" con cabezas calientes pueden controlar. Es una frenética historia de amor, amistad, pandillas, secuestros y un montón de violencia, todo narrado desde el realismo de una cámara en mano.



6.- PITCH PERFECT (Dir. Jason Moore)

Si hubo una movie que mas vi en repeat este año fue Pitch Perfect. Debí ponerla unas 10 veces seguidas. La proyecté en mi cumpleaños para compartirla con mi gente. Soy un sucker por el cine de competencias. De box (Here comes the Boom), de baile (Battle of the Year) y claro, de canto acapella. Es una especie de Bridesmaids, otra movie que hizo mi top del 2011, pero para el crowd mas joven. Así como Spring Breakers es un icono para las cosas cuestionables, Pitch Perfect podría serlo para la ñoñeria. Producida por la siempre genial Elizabeth Banks. Hands in, Barden Bellas!



5.- OZ, THE GREAT AND POWERFUL (Dir. Sam Raimi)

Ya escribí un libro sobre esta por acá pero, para recapitular, la película definitiva del 2013 que hizo sentir a los adultos como niños otra vez y nos dio insights mágicos al proceso de hacer cine (¿Que es el cinema sino ilusiones ópticas y entretenedores de carnaval?) sin duda fue Oz. Pueden leer mi texto completo sobre ella aquí.



4.- BEFORE MIDNIGHT (Dir. Richard Linklater)

Cuando salió Before Sunrise hace casi 20 años, parecía la película más improbable para engendrar una saga que, de entrada, con la pura premisa, suena a que un volumen basta y sobra. Chico conoce chica y el romance sobreviene. Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy han desarrollado a través de las décadas una serie que es tanto en partes iguales experimental como uno de los documentos más realistas sobre el amor entre dos humanos y lo que el mismo implica en el span de nuestras vidas. Sin el bullshit de la comedia romántica y las novelas de domingo. Emociona y duele (sobre todo esta tercera parte) por que no podemos dejar de identificarnos.



3.- PACIFIC RIM (Dir. Guillermo del Toro)

Otra que ya comente por acá. Si esta movie debe ser al menos valorada por algo es por arriesgarse. El concepto de "original" en el año 2013 es uno borroso y confuso pero lo podemos identificar en cuanto una película es 100% producto intelectual de su autor. Una que no se sintió sujeta ni comprometida a la maquinaria industrial de Hollywood y solo quería ser un paseo excitante, lleno de ficción, robots y monstruos. El sueño húmedo de los Transformers y cualquier otra mercancía explotativa de verano.



2.- THE HUNGER GAMES: CATCHING FIRE (Dir. Francis Lawrence)

Quería verla porque me gustó mucho la primera parte pero no esperaba que eventualmente rankearia tan arriba. Lo que tienen en común mis primeras 3 elecciones es que aunque apelan al sistema del blockbuster son obras muy personales. Hunger Games podría ser la más dudosa del trió por que nace de una novela para jóvenes adultos pero todavía hay partes de la película que no comprendo cómo se colaron a las salas. Tiene un aura contestataria y de rebelión que no vemos seguido en cinema comercial. Se desenvuelve como una novela (duh!), y aunque su duración es de 2 horas y media, no tiene un solo minuto desperdiciado. Jennifer Lawrence, quien ya he dicho antes tiene potencial para ser la mejor actriz de esta generación, nos encapsula en su experiencia. La odisea de gloria y dolor de ser Katniss Everdeen.



1.- GRAVITY (Dir. Alfonso Cuarón)

¿Que mas puedo decir de Gravedad que no se haya comentado ya? La película tecnológicamente más importante desde Avatar nos llegó este año del cerebro y pulso de Mr. Cuarón. Cuando elegimos nuestras películas favoritas usualmente es porque nos conectamos con la historia. Con los personajes. Con el estado de ánimo en el que nos encontramos. Hay una tonelada de factores que entran en juego al momento de experimentar el cine y decidir por que ciertas ideas nos gustan más que otras. Pero las historias son solo historias. Cuentos. Fabulas. Cada cierto tiempo llega alguien y nos muestra una nueva manera de narrar las cosas. El Viaje a la Luna de George Méliès como lo conocemos era algo que no podía contarse en texto ni en teatro. La atmósfera audiovisual del Dr. Caligari o Nosferatu. La tecnología vs. la humanidad en Metropolis.

La muy necesaria historia de fe y supervivencia que Gravity nos dio en el 2013.

A ver que nos aterriza en el 2014.

Menciones honorificas que quedaron fuera:
- This is The End (Dirs. Evan Goldberg, Seth Rogen)
- Movie 43 (Varios directores)
- Dracula 3D (Dir. Dario Argento)
- Jackass Presents: Bad Grandpa (Dir. Jeff Tremaine)