domingo, febrero 02, 2014

Bad Grandpa no es tan malo

Este texto contiene spoilers, si es que acaso esta movie puede ser arruinada.

El momento más importante de Bad Grandpa, el más reciente brainchild de los genios en Dickhouse y Jackass, y que lo veiamos venir desde el trailer, es el concurso de belleza infantil que Johnny Knoxville (como el abuelo Irving) y su nieto Jackson Nicoll crashean cerca del final de la movie. Jackson (Billy) es un niño. El concurso es para niñas. Esas horribles competencias donde madres gordas y frustradas disparan maquillaje en los cachetes de sus hijas y las entrenan para actuar como prostitutas. Coquetearle a los jueces sin saber que 10 años más tarde esas sonrisas y maneras de andar responderán a consecuencias sociales mas sustanciales. Y no quiero sonar como una doñita espantada por qué no lo soy. Ni si quiera tengo hijos, me da igual hasta cierta extensión como cada quien decide educar a los suyos. Pero hay que amar la paradoja. Ellas son las mismas madres aterradas ante la presencia de un niño literalmente vestido, no solo como mujer, sino como stripper. Meneándose con gracia en un poste que sostiene orgullosamente a la bandera Norteamericana. Algunas cubren con horror sus ojos o los de sus hijos, expectando en shock, consternados desde las butacas ante semejante despliegue de inmoralidad.

¡Oh la humanidad!

Bad Grandpa (Abuelo Malo, traducción literal) realmente no es tan malo. Maldad como conjunto no es necesariamente el atributo que yo decidiría utilizar para clasificarlo. Toda la película se trata sobre un viejo que insiste en renunciar a la única familia que lo quiere, su nieto Billy. Su esposa recién murió, su hija es una drogadicta y su yerno parece vivir de una serie de negocios ilegales. Billy es algo que no quiere, ni cree necesitar a estas alturas de su vida. Está viejo y cansado (aunque sus acciones demuestren lo contrario, las explicare más adelante). Billy es una carga, al menos de principio, pero al final, decide aceptarla. Se vuelven amigos en el camino. Lo más importante, aprenden a quererse.

Bad Grandpa no es una historia de maldad, sino de transformación. De aprender a jugar con las cartas que se nos han entregado y disfrutarlo. Descubrir que cuando nos sentimos solos, a quien necesitábamos siempre estuvo a nuestro lado.



¿Por qué sería malo Irving? ¿Acaso porque decide abandonar (o utilizar como peón, por lo contrario) a Billy en cualquier oportunidad de coquetear e intentar seducir mujeres en la calle? Se trata de un anciano de 86 años fatigado, más cerca de morir que de vivir, que utiliza como ventaja el deceso de su esposa para liberarse emocionalmente. Si no liga e intenta coger una última vez, quizá no pueda volver a tener esa experiencia fabulosa. La experiencia de la vida. ¿Qué hombre no puede empatizar con eso? No ocupamos irnos tan lejos, ¿cuántos hombres de 40 or less no quisieran dejar ya a su mujer por una colita veinteañera? ¿Es eso maldad o simplemente biología?

Y al final, ¿como explicamos que Irving fracase en cada intento, de los múltiples que hay a lo largo del film, para cumplir con su objetivo? Quedarse con Billy, de la manera que la película nos lo plantea al final, no es un acto de resignación. Legítimamente Irving se da cuenta que "ya está muy viejo para eso". Su quest por la nueva vida no vendrá con las experiencias que consiga (no a estas alturas) sino en preparar a su nieto para las suyas. A la edad de Billy todos necesitamos a esa figura paterna que nos guie. Que nos enseñe a pescar. Que nos prepare para explorar la sexualidad y los dilemas morales de la adolescencia, y quizá eventualmente, formar una propia familia. Para que Billy no se convierta, cuando llegue el momento, en un abuelo malo por sí mismo.



¿Quién es el malo entonces en una película que lleva el adjetivo en su titulo? Los cineastas, es una buena opción. Documentalistas que se empeñan en mostrarnos la complejidad de la existencia. Mostrar a gente común que no está dispuesta a romper las normas de su cotidianidad (o la legalidad) cuando se enfrentan a las circunstancias. Miedo a lo desconocido. A lo anormal. A lo extravagante. A las cosas que vistas desde otra perspectiva pueden ser tan naturales, y en el contexto indicado (como el de esta movie) hasta risibles. ¿Por qué debemos reímos de la miseria y el rechazo?

Entonces, ¿qué tal si los malos no son los cineastas, sino nosotros? Es más sencillo negar nuestras fallas cuando las topamos en el reflejo del espejo y el distanciamiento que nos ofrece una pantalla. El cinema experimental no solo es cosa de acudir a lo abstracto de la imagen, también está en la evocación de los sentimientos, lagrimas o risas. No es solamente la obra que en lo general se cataloga como aburrida y la aplauden solo unos cuantos pretensiosos intelectuales. El verdadero artista experimental del presente encuentra la manera de subvertir nuestras expectativas, forzarnos a evaluarnos y hacer una parada donde no estamos, o peor aún, no queríamos estar.

Ser bueno o malo, depende de cada quien.


sábado, enero 18, 2014

Movies del 2013: Las nominadas al Oscar

Hace dos semanas publicaba mis movies favoritas del 2013. Ahora les vengo con una especie de listado 1.5. Usualmente las películas nominadas a los Oscar se estrenan en cines mexicanos hasta los primeros meses del siguiente año, incluso muchas veces dependiendo de los resultados de las mismas en la premiación. Salvo Gravity, la movie que todo mundo vio en el otoño y hace unas semanas The Wolf of Wall Street, las demás siguen flotando en el próximamente.

Porque el destino es interesante, y abundan los screeners regados en PirateBay, es la primera vez que he visto mínimo el 80% de las nominadas a Best Picture del 2013. Y las he visto por que hubo un interés legitimo de mi parte. Hasta Saving Private... digo, Mr. Banks, que terminó fuera de la competencia (y qué bueno, no tiene personalidad) por que pensé haría un bonito comentario sobre la cura de explorar el cine dentro del cine.

Algunos opinan que los Oscares no tienen validez alguna, es una selección hecha por gangsters o mero entretenimiento. Tal vez. Que quizá no reflejan nada especial, pero ahí es donde difiero tantito. El problema no es la premiación como conjunto, sino los ganadores. La evaluación del arte es subjetiva y galardonar algo como mejor no necesariamente significa que lo sea. Si la gente se enoja o aplaude cuando triunfan sus quinielas es porque de alguna manera se siente la aprobación o el rechazo de nuestras opiniones. "¡Tenia razón! Es la mejor película del año. Soy todo un crítico de cine" o "¿Que gano quién? ¡Película tan mas culera!".

En el gran panorama de las cosas, lo importante, lo que se queda en la historia, son las selecciones. Lo que las mismas hablan sobre el estado del cinema actual o mainstream. La distancia entre los tópicos o las escalofriantes similitudes. Las cosas que son relevantes para una industria que sin duda las usa como punto de referencia para perpetuarse a sí misma. Que directores, guionistas, actores, etcétera consigan mas trabajos. ¿Cómo creen que se encuentra el buzón electrónico de Alfonso Cuarón en estos días?

Si algo mínimo, son un tema para conversar entre cinefilos y el espectador común, y la conversación amigos, esperemos sea algo que nunca sobre.

Aquí unos comentarios sobre las siete que vi.



LA PEOR DEL MONTÓN:

12 Years a Slave (Dir. Steve McQueen)

Hay que agradecer a Django Unchained por salir primero y taclear un tema importante, con una aproximación mas cinemática, y en comparación, sin tomarse tan en serio. Y no es que diga que un tema de esta índole (al menos para los gringos) no deba aproximarse con seriedad pero yo no me la compro. Es una pieza aburrida de explotación como alguna vez acusaron a Mel Gibson y su Pasión de Cristo. Lincoln de Spielberg estaba más emocionante, así se las dejo. Esclavo por Accidente (@joeytijuana dixit) es manipulación emocional de la que gusta, y posiblemente por ello continúe siendo el top choice para ganar todo.

¿Qué premio le daría yo? NINGUNO.



EMOCIONALMENTE CONFUNDIDO SOBRE:

Gravity (Dir. Alfonso Cuarón)

Ya he hablado mucho de Gravedad. La coloqué en primer lugar de mi lista por que la considero la obra más emocional y tecnológicamente significativa del año (y para mí eso es importante) pero debo admitir, no le daría un galardón que celebra al tradicionalismo.

¿Qué Oscar le daría yo? Mejor dirección a Cuarón claro, y arrasar en los rubros técnicos.



Y EL PREMIO WANNABE ARGO 2.0 ES PARA:

Captain Philips (Dir. Paul Greengrass)

Mas de acción que otra cosa, con todo y la tensión excesiva, últimamente me cuesta trabajo conectar con este tipo de movies cuando están basadas en hechos reales recientes. La primera mitad me pareció la mejor parte. La incertidumbre de una tripulación completa se convierte en un problema estresante, pero en la segunda mitad me fue difícil preocuparme por la vida o muerte del personaje que ESCRIBIO EL LIBRO en el cual el film está basado.

¿Qué Oscar le daría yo? Edición audiovisual: montaje y/o sonido.


ESCÁNDALOS AMERICANOS:

American Hustle (Dir. David O. Russell) y Dallas Buyers Club (Dir. Jean-Marc Vallée)

Ambas son similares en que cuentan la historia (verídica, una vez mas) de personajes puestos en las circunstancias ideales para estafar al sistema y hacerse ricos de sus irregularidades (la ultima de esta lista también comparte esa influencia).



A veces la cosa no está en el producto final, sino en las expectativas. De las nubes donde viene Russell esperaba mucho y American Hustle me pareció un intento de algo más no logra nada. La relación entre Christian Bale y Amy Adams es una cute, con posibilidad de estar a la altura de Lawrence y Cooper en Silver Linings Playbook pero Hustle se convierte en la historia de amor por el dinero y los engaños, no entre una pareja. La película de amor definitiva este año la comentare más adelante. Y ojo, no estoy diciendo que las movies tengan que ser cursilerías románticas para ser buenas, simplemente tienen que ser algo. Actores chingones interactuando nomas porque si una buena película no hacen.



En la otra mano tenemos a Dallas Buyers Club de la cual no sabía que esperar y terminó siendo una cosa cautivante. Dos palabras: Matthew McConaughey. Si alguien se merece el premio de Bad Motherfucker este año es McCounaghey. Entiendo es emocionalmente manipuladora también, pero los problemas que resalta no son únicamente sobre cómo hacer mucho dinero rápido, sino cuestiones de salud. Se ha hecho más popular que la película el gimmick de Matthew a forzarse a perder más de 20 kilos para el papel. Y considero ese es el objetivo. No siempre sabemos cuán importante es la salud hasta que la tenemos en riesgo. El film lidia con las mafias que administran las drogas y la negligencia médica. Podrá ser una construcción ficticia basada en una realidad, aún asi, es la movie de este año que en mi opinión logra chocarnos admirablemente con un tópico relevante.

¿Qué premios les daría yo? A Amy Adams por sus roles en Her y Man of Steel y a Jennifer Lawrence por The Hunger Games: Catching Fire.

Y definitivamente a Matthew McConaughey y Jared Leto por ser unos cabrones.



EL ROMANCE HIPSTER:

Her (Dir. Spike Jonze)

Jonze siempre tendrá un lugar suave en mi corazón por producir Jackass, el único programa y serie de películas dignas de considerarse patrimonio de la humanidad. De sus movies como director no soy muy fan. Her está bonita. Bonitos colores. Bonitas actuaciones. Bonita intención. Nos quiere preguntar un montón de cosas sobre el amor, y si el mismo está sujeto a cuerpos físicos o es posible tener relaciones emocionales con un fantasma intelectual. Es la nominada del bonche cuyo tema no aspira a mucho (o aspira al tema más filosóficamente importante, el amor) y lo que intenta, puedo decir está bien logrado: Ser la movie romántica que los hipsters van a citar de aquí hasta que nuestro Instagram piense.

¿Qué premio le daría yo? Diseño de producción y guión original.



EL LOBO DEL CINE:

The Wolf of Wall Street (Dir. Martin Scorsese)

Ya he expresado mi odio reciente a películas innecesariamente largas. En lo mismo que dura la nueva de Scorsese puedes quemarte dos volúmenes de Actividad Paranormal, las que sean, y sobran 10 minutos. Es más, ni La Desolación de Smaug dura tres horas cerradas. ¿Pero saben qué? The Wolf podría durar seis y no pasaría nada. Tiene un montón de energía. Un Scorsese de 71 años canalizando a su versión de treinta para retratar sus trips de cocaína. Es una de las mejores aventuras del anti-héroe moderno. Leonardo DiCaprio le da una corrida por su dinero a McCounaghey como protagonista. Podríamos estar de acuerdo o no con las posturas morales del Lobo, pero me resulta mucho más interesante referirlo a aquel famoso discurso de Tarantino en Kill Bill: Superman es Superman aunque se disfrace de Clark Kent. The Wolf of Wall Street nos enseña que somos lo que somos y lo vamos a cargar hasta la cripta. Tan pronto caigamos en términos con ello, más felices seremos, porque si no lo haces tú, ahí viene alguien detrás para hacerlo.

¿Qué premio le daría yo? Mejor película del año.

*Al momento de esta publicación no he visto Nebraska y ni en un millón de vidas vería una película titulada Philomena.

viernes, enero 03, 2014

Mis TOP 20 movies favoritas del 2013

Siempre los listados están sujetos a dos cosas: Primero, a las movies que vemos vs. las que no, independientemente de su popularidad. Tratamos de ir al cine lo mas que se pueda o navegar por el piratebay, pero a veces hay películas que todo mundo vio y lamentablemente, por razones X o Y, se deslizaron debajo del radar. No vamos a mentir tampoco. Esto está sacado de una piscina de lo que vimos estrenado en el 2013 (aunque algunas sean del twenty-twelve).

La segunda, y el disclaimer que siempre hago, se tratan de MIS favoritas. Este año vi más de 50 movies en teatros, probablemente otras 50 en mi ordenador y de todo ese licuado de información, estas son las 20 definitivas que me quitaron el sueño. Que me dejaron pensando más de un día sobre cosas mías o cosas del cine en general. Sobre el pasado, el presente o el futuro. Sobre situaciones muy personales o eventos de la cultura popular.

Una lista no se trata de alguien imponiéndose a otro, sino una posible guía de cosas para ver.

Comenzamos:



20.- BEAUTIFUL CREATURES (Dir. Richard LaGravenese)

Hay muchas movies que son víctimas del síndrome post-Twilight, para bien o para mal. Es decir, personas (por no decir mujeres) que corren al cine a verlas para llenar un vacío emocional u otro tipo de personas (por no decir hombres) que las repelen como gato arrojado al agua. Beautiful Creatures apareció en mi Netflix un día y decidí picarle play. I regret nothing. Por algo está en #20. No es lo mas chingón del año, pero de lo cursi, es de lo mejor.



19.- THE LORDS OF SALEM (Dir. Rob Zombie)

Rob Zombie es en mi opinión el mejor director de horror que trabaja en el mainstream hoy. Hasta soy fan de sus Halloweens, incluso la repudiada segunda parte. Se permite dejar sellos particulares y ofrecer un cine de género pop que ya no se hace. Este film en especial se trata de un mal viaje, una pesadilla psicotrónica cargada de visuales malditos y brujería desconcertante. Extrae lo mejor del cine exploitation setentero que sin cuestión ha forjado a Zombie y lo moderniza, lo demoniza, lo vuelve rocanrol.



18.- V/H/S 2 (Varios directores)

Ya que estamos con el cine macabro, en alguna ocasión comentaba que las antologías de horror vienen a ser las salvadoras del género en tiempos donde la mayoría de movies del mismo (especialmente las que salen en cines) se parecen. Los cortos entonces, en esta Edad del Internet, vienen a ser el showcase para creadores talentosos, perrones y propositivos. De empujar los límites de lo permisible, para ver cosas que jamás veríamos en otro lado. ¿No me creen? Les encargo los cortos Alien Abduction Slumber Party de Jason Eisener (Hobo with a Shotgun) y en especial, si no quieren dormir por una semana, Safe Haven de Gareth Evans (The Raid) y Timo Tjahjanto (The ABC's of Death).



17.- ELYSIUM (Dir. Neil Blomkamp)

Esta es una película particular porque detrás de la ficción o su naturaleza de opera espacial, se siente cercana a los conflictos que conocemos quienes vivimos en la frontera México-Americana. Muy pocas veces se utiliza el cine de fantasía, al menos al nivel del blockbuster actual, para denunciar una problemática social directa y el interés por el bien común encima de la búsqueda personal del héroe. Se me ocurre Oblivión de Joseph Kosinski por ejemplo, que también me gustó pero es una odisea más individual y no tanto de interés cultural. Advierto, ninguna película está obligada a serlo, pero se aprecia cuando lo hacen.



16.- BLANCANIEVES (Dir. Pablo Berger)

En lo único que se parece a The Artist es que se trata de un film mudo y en blanco y negro, por si pensaban que era una copia. Se enfoca mucho más en tropos de la cultura española que en intentar hacer comentarios sobre el cine mismo. Me pone mucho a pensar sobre las emociones humanas cuando una fabula, un (re)cuento de hadas universal, sin palabras y únicamente imágenes + banda sonora, pueden sacarte lagrimas o suspiros en pleno rápido y furioso siglo XXI.



15.- MANIAC (Dir. Franck Khalfoun)

Esta es una excepción en la lista por qué no se ha estrenado en cines mexicanos, salvo uno que otro festival. Testamento a que me gusto tanto como para dejarla fuera. Es la Drive de este año sin el coolnes y el hype para ponerla en primer sitio pero con esas ganas del cine europeo. Re-adaptada y producida por el mismo Alexandre Ajá. Toda contada desde el point of view de un asesino, un maniaco que colecciona cueros cabelludos femeninos. Sus ojos son nuestros ojos y nos sumergimos en un vibrante y tenso viaje (banda sonora chingona también) digno de cualquier vibra Enter The Void.



14.- CARRIE (Dir. Kimberly Peirce)

Habla mucho de los tiempos y la sociedad cuando una historia que se contó hace casi 40 años sigue siendo relevante (si no aún mas) hoy. La mezcla perfecta entre el drama adolescente y el horror. La dualidad permea una movie que se refleja en la moral de los personajes, entre decidir quién es la víctima y quién el victimario. La búsqueda de la identidad, la represión religiosa o el abuso escolar. Una niña necesitada de ayuda, que sin saber, tiene los poderes para ayudarse sola. Es de las pocas movies en la humanidad que conocer el spoiler final de antemano le beneficia más que perjudicarle.



13.- HANSEL & GRETEL: WITCH HUNTERS (Dir. Tommy Wirkola)

Sigue vivo el trend de adaptar folk stories, libros o personajes clásicos, esos que siempre se estrenan en enero, el mes menos interesante para el cine. Juanito y los frijoles mágicos, Blanca Nieves y el cazador. Por ahí viene otra de Frankenstein. La mejor del bonche sin duda es Hansel & Gretel porque sabe no tomarse en serio. Es una movie de acción barata que depende más del montaje que de los visuales generados por computador. Se parece más a las cosas suaves de los 80's con todo y un troll animatrónico que no le pide nada a las Tortugas Ninja.



12.- THE PLACE BEYOND THE PINES (Dir. Derek Cianfrance)

Esta es otra que pasó debajo del monitor de varios. Son como 3 películas en una, la siguiente más emocionante que la anterior. Una especie de Cloud Atlas cronológico y sin los elementos fantásticos claro. Se narra una historia entre el span de 2 generaciones y como las consecuencias de nuestras decisiones y/o acciones repercuten no solo en los que queremos ahora, si no en la descendencia de quienes vendrán. El gancho visual es Ryan Gosling en lo que parece una secuela espiritual de Drive, pero nos quedamos con el performance del genial Bradley Cooper.



11.- MOONRISE KINGDOM (Dir. Wes Anderson)

Parece más vieja pero realmente la vimos en cines locales apenas este abril del 2013. Soy fan de Anderson aunque estoy consciente que hace cosas para audiencias selectas, se puede decir que hasta sufre del síndrome Tim Burton. Para mi Life Aquatic es la movie mas bella del director pero creo que Moonrise Kingdom le dio una corrida por su dinero. El eterno drama del joven amor imposible. Romántica, incomoda y pop, quizá el cine de Wes Anderson ya no parezca tan novedoso, pero films como los de él tampoco se ven diario.



10.- STOKER (Dir. Park Chan-Wook)

No he visto el remake de Oldboy pero creo que la movie americana de Park para ver este año fue Stoker. Con un ritmo inquietante y una estructura no lineal, para los que estamos más acostumbrados a los melodramas occidentales se convierte en un choque narrativo interesante con la sensibilidad de oriente. Son los excesos de la novela americana dirigida con belleza, precisión y huevos. Cuando vemos a realizadores como Kim Jee-Woon y su Last Stand y nos preguntamos: ¿Donde quedó su esencia?. Aquí tenemos a un director que se la queda.



9.- DJANGO UNCHAINED (Dir. Quentin Tarantino)

Otra que técnicamente es del 2012 pero no se estreno en nuestro rancho hasta enero del trece. Cualquier otro año, con cualquier otra película, Tarantino hubiera aparecido más abajo en la lista pero Django no fue todo lo que esperaba y de QT siempre espero demasiado. Es Inglorious Basterds otra vez pero con vaqueros. O mejor dicho, Inglorious era already su western. Es la movie que realiza un director que ya tiene influencia, poder y caprichos. Pero, con todo lo dicho (igual que me pasa con Wes Anderson) es muy difícil que hagan una movie que no me fascine. Después de todo, amamos Inglorious Basterds ¿qué no?



8.- SPRING BREAKERS (Dir. Harmony Korine)

Algunos textos online argumentan que si bien Spring Breakers no es la mejor movie del 2013, es la movie mas "2013" del año. La que captura el espíritu de los tiempos. El colapso de la cultura moderna. América y el capitalismo que se han apoderado de nuestros cerebros, convirtiéndonos maquinas de deseo sexual y la infinita persecución del dinero. O bien es puro exploitation. Una excusa cinemática para encuerar a la juventud Disney y exponer la eterna fabula del crimen que paga rápido y excelente. Lo que sea que Harmony Korine haya hecho, aplausos señor.



7.- END OF WATCH (Dir. David Ayer)

Créanlo o no, ésta la estoy guardando desde el año pasado. No la incluí en mi top del 2012 por que no se había estrenado acá y mucha gente no había escuchado de ella. Al final si apareció por un par de semanas. OMG. Qué buena película para morderse las uñas. En la vida real todos odiamos a los policías pero End of Watch los humaniza con todo y su prepotencia. Es esa astucia y sed imparable de salirse con la suya. Hasta aquellos que pretenden hacer el bien y detener a una red de narco más grande de lo que dos "hermanos" con cabezas calientes pueden controlar. Es una frenética historia de amor, amistad, pandillas, secuestros y un montón de violencia, todo narrado desde el realismo de una cámara en mano.



6.- PITCH PERFECT (Dir. Jason Moore)

Si hubo una movie que mas vi en repeat este año fue Pitch Perfect. Debí ponerla unas 10 veces seguidas. La proyecté en mi cumpleaños para compartirla con mi gente. Soy un sucker por el cine de competencias. De box (Here comes the Boom), de baile (Battle of the Year) y claro, de canto acapella. Es una especie de Bridesmaids, otra movie que hizo mi top del 2011, pero para el crowd mas joven. Así como Spring Breakers es un icono para las cosas cuestionables, Pitch Perfect podría serlo para la ñoñeria. Producida por la siempre genial Elizabeth Banks. Hands in, Barden Bellas!



5.- OZ, THE GREAT AND POWERFUL (Dir. Sam Raimi)

Ya escribí un libro sobre esta por acá pero, para recapitular, la película definitiva del 2013 que hizo sentir a los adultos como niños otra vez y nos dio insights mágicos al proceso de hacer cine (¿Que es el cinema sino ilusiones ópticas y entretenedores de carnaval?) sin duda fue Oz. Pueden leer mi texto completo sobre ella aquí.



4.- BEFORE MIDNIGHT (Dir. Richard Linklater)

Cuando salió Before Sunrise hace casi 20 años, parecía la película más improbable para engendrar una saga que, de entrada, con la pura premisa, suena a que un volumen basta y sobra. Chico conoce chica y el romance sobreviene. Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy han desarrollado a través de las décadas una serie que es tanto en partes iguales experimental como uno de los documentos más realistas sobre el amor entre dos humanos y lo que el mismo implica en el span de nuestras vidas. Sin el bullshit de la comedia romántica y las novelas de domingo. Emociona y duele (sobre todo esta tercera parte) por que no podemos dejar de identificarnos.



3.- PACIFIC RIM (Dir. Guillermo del Toro)

Otra que ya comente por acá. Si esta movie debe ser al menos valorada por algo es por arriesgarse. El concepto de "original" en el año 2013 es uno borroso y confuso pero lo podemos identificar en cuanto una película es 100% producto intelectual de su autor. Una que no se sintió sujeta ni comprometida a la maquinaria industrial de Hollywood y solo quería ser un paseo excitante, lleno de ficción, robots y monstruos. El sueño húmedo de los Transformers y cualquier otra mercancía explotativa de verano.



2.- THE HUNGER GAMES: CATCHING FIRE (Dir. Francis Lawrence)

Quería verla porque me gustó mucho la primera parte pero no esperaba que eventualmente rankearia tan arriba. Lo que tienen en común mis primeras 3 elecciones es que aunque apelan al sistema del blockbuster son obras muy personales. Hunger Games podría ser la más dudosa del trió por que nace de una novela para jóvenes adultos pero todavía hay partes de la película que no comprendo cómo se colaron a las salas. Tiene un aura contestataria y de rebelión que no vemos seguido en cinema comercial. Se desenvuelve como una novela (duh!), y aunque su duración es de 2 horas y media, no tiene un solo minuto desperdiciado. Jennifer Lawrence, quien ya he dicho antes tiene potencial para ser la mejor actriz de esta generación, nos encapsula en su experiencia. La odisea de gloria y dolor de ser Katniss Everdeen.



1.- GRAVITY (Dir. Alfonso Cuarón)

¿Que mas puedo decir de Gravedad que no se haya comentado ya? La película tecnológicamente más importante desde Avatar nos llegó este año del cerebro y pulso de Mr. Cuarón. Cuando elegimos nuestras películas favoritas usualmente es porque nos conectamos con la historia. Con los personajes. Con el estado de ánimo en el que nos encontramos. Hay una tonelada de factores que entran en juego al momento de experimentar el cine y decidir por que ciertas ideas nos gustan más que otras. Pero las historias son solo historias. Cuentos. Fabulas. Cada cierto tiempo llega alguien y nos muestra una nueva manera de narrar las cosas. El Viaje a la Luna de George Méliès como lo conocemos era algo que no podía contarse en texto ni en teatro. La atmósfera audiovisual del Dr. Caligari o Nosferatu. La tecnología vs. la humanidad en Metropolis.

La muy necesaria historia de fe y supervivencia que Gravity nos dio en el 2013.

A ver que nos aterriza en el 2014.

Menciones honorificas que quedaron fuera:
- This is The End (Dirs. Evan Goldberg, Seth Rogen)
- Movie 43 (Varios directores)
- Dracula 3D (Dir. Dario Argento)
- Jackass Presents: Bad Grandpa (Dir. Jeff Tremaine)

viernes, noviembre 22, 2013

La gravedad de la moraleja



Las geniales películas no son buenas por que las comparamos contra las malas. Eso sería hasta injusto. Las geniales películas son buenas porque incluso al compararlas contra las buenas, resultan ser mucho mejores.

En un viejo y ya extinto blog mío (he estado paulatinamente recuperando algunas entradas hacia este espacio), un diciembre del año 2009, arrojé el siguiente comentario: James Cameron (con Avatar) creó un espectáculo visual como nunca. Ningún halago le hará justicia a una experiencia cinematográfica que me gustaría comparar con lo que seguramente fue El Viaje a la Luna de George Melies hace más de 100 años. Si bien el cine ya no es un medio tan relativamente nuevo, y a pesar de las incontables historias que se cuentan en él, raras son las películas como ésta, que empujan las barreras tecnológicas (el cine detrás de todo es tecnología, por si no sabían) y más importante, delimitan lo que vendrá.

A casi 4 años de ese párrafo, me da gusto saber que algunas de mis opiniones sobre el cinema han cambiado y otras no tanto. Lo primero que aprendí es a no arrojar declaraciones sobre las cosas como si fueran contenibles y finitas. En la otra mano, cuando escribí ese "delimitan lo que vendrá" antes del punto final, se sentaba uno como cinéfilo, impaciente, preguntándose cuando, o como, "lo que vendrá" iba a llegar.

Ya defendí un poco al Hobbit de Peter Jackson en un post por acá pero ni 10 minutos de esa movie nos preparan para la Gravedad de Alfonso Cuarón. Avatar y The Hobbit son filmes de fantasía ante todo, años en el futuro o años en el pasado. Los tropos del héroe que debe imponerse ante el mal y salvar, o perecer en el intento, la prosperidad de toda una tierra. Bastante común y aceptable convención de la narrativa en el cine. Arrastran traseros a los teatros y nunca se nos debe olvidar esa es la sola intención de un producto comercial. Cameron y Jackson, definidores del blockbuster en los noventas y early noughts, respectivamente, serán recordados no tanto por sus contenidos, sino por su interés en como contar las historias. Prestando igual, si no más, atención a la envoltura sobre el regalo.

Hay teorías que sugieren que los géneros del cine son non-existentes y básicamente todos son dramas. El mismo conflicto humano de superar una o varias circunstancias en contra y que todas las movies en la historia son la misma idea re-empaquetada. Será verdad lo anterior o no, lo dejo a los sentimientos de cada quien sobre el arte, pero lo que hace interesantes a Cameron y Jackson es su aproximación primordialmente tecnológica. Aquí viene una tercera.



Gravity no es una movie que trata de enmascarar un plot básico con mucha historia. Lo que le da un espectro gigante es que se desarrolla en el espacio, y para el 99.9% de la humanidad que no hemos podido estar allá, se siente como una odisea fuera de nuestro alcance. Apela al miedo de lo que nunca vamos a entender y se suma a lo que gradualmente se revela como una serie traumas personales. Estar perdido en el espacio es una situación de gravedad. I hate space, diría Sandra Bullock.

Es difícil de percibir si no prestamos atención desde el primer cuadro, pero el horror de Gravity no es simplemente el cuento que se nos está contando, es la tecnología. Como dije arriba: la envoltura del regalo. De pronto estamos flotando en la obscuridad cuando nunca pedimos estar ahí. Es "el viaje a la luna", all over again.

The Grey meets Life of Pi sería una manera inmediata de definirla. Horror de supervivencia en un ambiente hostil y la búsqueda de una fuerza exterior que quizá está adentro de nosotros desde el principio.

Tengo que hablar del final de Gravity, que tal vez sea el punto de quiebra para muchos, o en mi caso, la última razón por la que la amo. Entonces pues, SPOILERS a continuación:

Hay un momento ridículo a la mitad del film (como si hablar de una movie de fantasía espacial por sí solo no lo fuera) donde la doctora que interpreta Bullock finalmente se pone a salvo en el interior de un satélite ruso. Eso está bien. De pronto, hay una alerta de incendio dentro de la capsula. La doctora trata de apagarlo con un extintor pero se le va de las manos. El fuego crece. Se expande. Inmediatamente, lo que pretendía ser un aventura "realista" se convierte en el tropo de acción #427: Salvarse a último segundo del peligro que nos persigue. Así sea un Tyrannosaurus rex, una piedra rodante gigante, o en este caso, una bola de llamas.

Ahí es cuando la película nos está tratando de reiterar, por si se nos había olvidado: esto es Hollywood bro, chill. Toleraste la ridiculez de Inception y los sueños dentro del sueño, acompáñame en este episodio interplanetario.

Hacía referencia a Life of Pi arriba porque, lo que superficialmente se trata de salvar el cuerpo realmente es una escusa para contarnos por qué es necesario salvar el alma. El espíritu. Lo de adentro pues. Nosotros crecemos, "maduramos" y nos volvemos mas fríos, cínicos e insensibles ante las moralejas. Alfonso Cuarón (y Ang Lee en todo caso) vienen de una generación donde no había internet y a los niños se les contaban cuentos con moraleja. Si el héroe no aprende nada al final y cambia su forma de ser, entonces toda la aventura que le precedió no sirve para nada.

Es importante que Sandra Bullock sobreviva al final de Gravity, con ese score motivador y estridente, en una secuencia tensa y exagerada. Se ha transformado. Ya la vimos reír, aunque sea un poco, definitivamente la vimos llorar. Sufrir. Derrotarse. A punto del suicidio.

Pero regresa.

Ya hemos tolerado mucha mierda como para rendirse sin intentarlo.

Es filosofía comercial de la cultura pop moderna. Me parece más pedante sugerir que una película que solo han visto 6 personas toca el mismo punto y lo hace mejor, que un espectáculo popular al que puede acceder un montón de gente. Que mujeres puedan arrojar argumentos sobre lecturas feministas, o economistas encuentren sospechoso que sea una nave china la que salva a los americanos. El cine pues, son las fabulas de nuestra era. Los cuentos que se registran en videos para contarse de generación a generación.

sábado, septiembre 21, 2013

El rastro del Navajazo

En esta ocasión voy a aprovechar las observaciones e interpretaciones de dos camaradas; José Paredes, movie-maker, desde su blog el CeroBudget y Cuauhtémoc Ruelas, ex-compañero de podcast y critico/escritor en el Tijuaneo; no para debatirles ni hacerles un crap in the stick, sino porque los quiero y también porque amo (me declaro #1 fan) el trabajo de Ricardo Silva. Las obras de Silva son difíciles de encasillar o definir, al menos para mí, y con lo que inmediatamente podría significar disgusto sucede todo lo contrario. Es en esa confusión que encuentro la apreciación.

Por dos cosas usaré las palabras de otros para ayudarme, la primera, no he escrito nada nuevo en este blog por el último mes o dos. Creo que ando pasando por uno de esos bloqueos mentales donde me he enfocado más a escribir cosas técnicas que creativas. Y la segunda, porque es solo a través de las observaciones de otros donde puedo intentar discernir la raiz que soporta a las movies de Ricardo.

José Paredes: Esta no es tanto una crítica de "Navajazo", la opera prima de Ricardo Silva, sino una reacción ante lo que vi. Yo creo que es irrelativo si es buena o mala ya que es difícil asignarle una calificación a un proyecto como este. Determinar si un proyecto es bueno o malo depende mucho de las intenciones del cineasta que lo hizo.

Cuauhtémoc Ruelas: Dentro del cine han existido películas buenas, otras malas, algunas que son tan malas que resultan ser buenas, pero también y más lejos de todo esto están las películas “extrañas” cuyo interés no es complacer al público[...]A fin de cuentas no importa tanto su calidad subjetiva, sino su capacidad para “conectar” con el espectador.

Tanto Paredes y Ruelas abren el primer parrafo de sus textos con una justificación, no se si para ellos mismos o para el cineasta, pero queda claro que no están (estamos) inmediatamente conscientes si Navajazo fue una película buena o mala, es más, casi casi se le está liberando de esas evaluaciones austeras. Ya he hablado en este blog sobre las cosas que hacen buenas o malas a una película. En textos específicos o comentarios regados aquí y allá. La crítica o el comentario cinematográfico está plagado de aprobaciones y rechazos, sin mucho espacio a interpretaciones emocionales. ¿Acaso Silva nos esta comprometiendo a eso?.

Si bien José y Cuauhtemoc concuerdan que la película cuenta la(s) historia(s) de un puñado de personajes marginales (o de la calle) y otros no tanto, ambos cuestionan los objetivos de Navajazo a través de preguntas distintas.



Paredes: Lo que los relaciona es que ninguno de estos (los personajes) tienen ningún sentido de lo que es la moral o lo aceptable dentro de nuestra sociedad, algunos por que no tienen opción y otros porque así lo desean. ¿Podría ser ese el objetivo de Silva? Tal vez, aunque no veo cual es exactamente el crimen moral que comete Amador Granados (actor de videohomes), El Muerto (gothrovador ambulante) u otro muchacho que quiere ser rapero.

Ruelas: Creo que por debajo de la crudeza que Silva nos muestra hay un curioso sentido del humor que me hace plantear otra teoría: tal vez el director emplea sus imágenes, no como un fin por sí mismo, sino como medio para crear una sátira feroz de… ¿de qué? ¿De la sociedad Tijuanense? ¿De nuestra indiferencia hacia lo que pasa en nuestro alrededor? O como dice el músico callejero El Muerto ¿de la hipocresía que nos invade?

Preguntarse cuál es el punto parece ser el punto. Reitero en la parte donde Silva nos obliga a ser emocionales. Usualmente arrojamos los adjetivos «amar» u «odiar» a una película muy a la ligera pero parece ser que Navajazo nos forza una postura sincera. El simple uso del adverbio "tal vez" en ambas opiniones implica una dubitación dentro de cada escritor sobre cuales debieran sus verdaderos sentimientos hacia la película.

Lo interesante es que el resto de los textos, que pueden leer en su totalidad aquí y acá, no son nada más que los verdaderos sentimientos de cada critico. Así como son claros, son confusos, así como son apreciativos también insinúan rechazo. Casi como evaluamos a la vida real.


Silva dirigiendo al pornógrafo

Hablando de realidades, José resalta un punto que vale la pena comentar, antes de proseguir llenando al lector de preguntas:

Paredes: Silva es un cineasta que siempre mezcla la realidad con la ficción. Sus proyectos parecen ser documentales pero en realidad están actuando[...] ¿Qué parte es ficción y que parte es documental? Nosotros reaccionamos ante lo que vemos en la pantalla, y no es importante que sea verdad o no, sino qué es lo que se captó frente a la cámara.

Después, hace referencia específica a una secuencia donde una mujer le empieza a succionar la pija a un junkie:

Paredes: Mientras lo hace (el sexo oral) le está dando la espalda a la cámara, en eso el camarógrafo (supongo que es Silva) la interrumpe y le dice que se mueva de tal forma que podamos captarla claramente mientras hace lo que hace.

Y si, esa escena, junto a muchas otras, dan la impresión de estar montadas. Uno que ha podido hablar con Ricardo conoce las verdades sobre algunas de ellas pero confesar las haría sonar como spoilers. ¿Y que son los spoilers sino grandes revelaciones y tradiciones del cinema? en todo caso ¿Que es el cinema si no un cúmulo de mentiras montadas como una verdad atractiva?

De mi texto sobre The Hobbit les copy-pasteo el siguiente comentario: Hay algo extraño, algo que de inmediato no encaja[...]Nos educaron a diferenciar entre la ficción y la realidad pero nunca a confundirnos cuando una cosa se parece a la otra. Algunos dicen que las escenas (de la película El Hobbit) se ven filmadas en sets, como las telenovelas, y eso es porque las escenas fueron filmadas en sets. Lo que ocurre en las movies es falso pero solo es tan falso en la medida que alguien tuvo que realizarlo para registrarlo. La perpetuación de la mentira. Yo no cuento eso como un error. Somos fantasmas flotando en mundos que no pertenecemos. ¿No será tanto que parecen escenarios sino que la parte lógica de nuestro cerebro esta recordándonos que el mundo de fábulas no existe? ¿Qué va a pasar cuando veamos una película en HFR grabada en una oficina? ¿Será la oficina un set o una oficina de verdad?



Quiero cerrar con dos comentarios que considero definitivos para "entender" la confusión que Silva nos crea:

Ruelas: Sin duda, puede encontrarse una cierta relación causal entre los eventos, pero yo prefiero tomarla como una ráfaga de estímulos viscerales realizados con una estética cruda cuyos alcances apenas llego a comprender, pero que considero fascinantes.

Paredes: Cómo pueden darse cuenta lo único que he hecho es describir escenas y hacer preguntas que tengo, no como cineasta o cinéfilo, sino como un simple espectador al que no le queda claro cómo fue que se logró captar lo que se captó en pantalla.

Incluso un personaje anónimo en la sección de comentarios del blog de Paredes en modo de troll escribe: Es una farsa transparente creada específicamente para este tipo de reacciones.

Pareciera natural que si existen movies destinadas a darnos todas las respuestas, debe haber artistas destinados a darnos ninguna. O quizá nos están dando la mejor respuesta de todas: Depende de cada uno de nosotros. Pueden ser herramientas de eterno análisis o mera pretensión festivalera. Emitir juicios sobre las cosas, para bien o para mal, usualmente habla más sobre los deseos y frustraciones del juez que de las acciones del juzgado.

Las cosas son lo que son.


Ricardo con un kitty cat

martes, julio 16, 2013

Titanes del Blockbuster

Un producto, según algunos diccionarios, es un bien o un servicio diseñado para satisfacer las necesidades, reales o inventadas, de un mercado. Usualmente son cosas que simios estamos dispuestos a intercambiar por dinero para sentir que estamos un poquito más completos. Porque ir a las movies es una experiencia que se vende, pagamos por sentarnos en esa sala fresca y penumbrosa, me es difícil por momentos hacer del cine más que eso. Ya hay debates más interesantes en el mundo sobre arte y comercio. Hay audiencias y cinéfilos que la hacen de Jaegers y Kaijus para defender su postura sobre el cinema. La naturaleza de cada espécimen hace complejo decidir cuál es el bueno.

Las experiencias no tienen precio, se puede argumentar. Podrás pagar un ticket, un DVD o una suscripción a Netflix, pero la simbiosis temporal de la fantasía-cerebro, a un nivel romántico o emocional, no tiene precio. Los sentimientos que nos forjan. Cuando se vuelven referencias culturales o citamos diálogos y ejemplos. Cuando pasa el tiempo y la historia les da su lugar en una capsula de viaje permanente, herencia para próximas generaciones.

Sería ingenuo, por no decir idiota, de mi parte limitar a las movies como un producto cualquiera. Son un servicio con trascendencia inimaginable. Pero, también sería idiota, no aceptar que en algún momento debe darse un intercambio de dinero (hasta los piratas, debemos pagar mínimo al proveedor de internet) por la experiencia cinematográfica.

Hollywood, el sufridor de todas las quejas y ganador de todos aplausos, entiende eso. O no Hollywood, eso es solo un pedacito de tierra, pero sí sus marketeros y mercadólogos. En mi micro-reseña de Battleship hacía alusión a la razón de por qué compramos los productos de las marcas que compramos. Una Coca-Cola siempre es la misma, no importa la ciudad, el idioma y dentro de ciertas épocas, me atrevería a decir el año. Unos tenis Nike o Adidas. Son productos en serie diseñados para satisfacer al fan. Estas pagando por una lata de aluminio y liquido negro, pero es la experiencia Coca-Cola, la que te mantiene apegado (otros dicen que son los trazos de drogas, pero hey ¿quién sabe?).



Hollywood es la marca definitiva para batir productos hacia nuestras salas. Lo extraño, a diferencia de los demás, es que ellos nos hacen pagar por la anticipación, no el resultado. Vamos a la movie de Superman o Star Trek por la anticipación de ver a nuestros personajes favoritos en una aventura nueva, no por el contenido que hasta donde sabemos, es una moneda lanzada al aire. ¿Por qué la mayoría de los blockbusters modernos son obras adaptadas de propiedades populares y con base de fans pre-establecida? Porque menos espacio para fallar, significa más dinero en el bolsillo de alguien. El cine original, el cinema de arte, los independientes. Ellos venden resultado final, pero no anticipación. No se compara el sector de gente que espera con ganas La Danza de la Realidad sobre la gente que espera The Hunger Games 2: Catching Fire. Hollywood y sus blockbusters son una hélice de dinero que nos sacude como tornado eterno. Crece. Se auto-produce y se auto-promueve. Se auto-vende y se auto-sigue-produciendo. Una espiral de consumo.

Debo empezar aclarando que amé Pacific Rim por lo tanto mi opinión esta manchada de fanatismo. Hay dos particulares situaciones que me molestan respecto a la respuesta que los Titanes del Pácifico están recibiendo entre las audiencias. Una de ellas tiene que ver con la originalidad.

No solo en el caso de Pacific Rim, cuando la falta de originalidad se usa como argumento para demeritar a una película, considero es uno de los más idiotas que existen. De entrada, habría que armar todo un debate sobre qué es original y que no en el siglo XXI y no hay tiempo ni tengo la capacidad para eso, pero es terreno seguro decir que difícilmente, tanto tus películas favoritas, así como las mías, nacieron de conceptos completamente originales. Entonces todo se reduce a los recursos creativos del guionista en cuestión y claro, el director. Cuesta dinero hacer una película, así sea micro-budget o millones de billones. Mas alta sea la inversión, más riesgo corre el inversionista. Es obvio de muchas maneras que apostarle dinero a algo “original” es una vía segura para tirarlo a la basura.



En el Hollywood de hoy, hacen falta pelotas para NO hacer un blockbuster adaptado de una novela, un comic, un TV-show o perpetuar una franquicia. Pacific Rim es una deliciosa malteada dentro de una licuadora de ideas. Sigue siendo una propuesta que no se parece a nada hecho antes y al mismo tiempo se parece a un montón de cosas familiares. Robots contra monstruos. El bien contra el mal. El sheriff contra el bandido.

Es la experiencia Coca-Cola toda de nuevo. Si quieres mi dinero debes hacerme sentir seguro, familiar y, sobre todo, que me harás pasar un momento calidad.

Y es por eso mismo que en EUA la secuela de Despicable Me y Grown Ups aplastaron en taquilla al film de Guillermo del Toro. Los verdaderos Titanes del Blockbuster. La familiaridad se antepone a esa extraña película cuyo título suena más a documental del Discovery Channel.

Las medidas del comercio y las medidas del arte se evalúan con distintas reglas. ¿Quién recuerda ese tesoro perdido del 2012 llamado Dredd? (basado en un comic, para variar) A Pacific Rim le aguarda la misma suerte. Joyas que vivirán en el culto por que nadie encontró espacio para ellas en ningún otro lado.



domingo, mayo 05, 2013

Mi película favorita de Abril fue...

Es tiempo de continuar la sección en el blog donde a finales de cada mes, o principios del siguiente, les voy a contar cual fue mi película favorita vista en cines de la ciudad (Checa la de enero, febrero y marzo). No cuentan Netflix, ni DVDs, ni piratas. Solo cineplexes comerciales o quizá de vez en cuando, en la Cineteca Tijuana.

Hay que aclarar que estos posts no son únicamente pérdida de tiempo, sino también un ejercicio para ayudarme a definir cuando haga mi top 10 del año.

Y mi película favorita de abril 2013 fue:


STOKER

Stoker me pareció maravillosa. No he hablado de ella mucho aquí por que apenas estoy trabajando en eso (intentando hacerle un apareamiento conceptual con la nueva Trance de Danny Boyle). La comenté muy por encimita en el párrafo inicial de mi texto sobre Oblivion y Olympus Has Fallen.



SEGUNDO LUGAR QUE NO PODÍA IGNORAR:
MOONRISE KINGDOM

Ya sé que estrenó hace 17 años pero en mi querida ciudad metrópolis se proyectó con una semana o dos de separación apenas en el mes de abril, tanto en Cinepolis así como en la Cineteca. Tuvimos entonces casi 15 días para ver la última película de Wes Anderson. Yo soy fan pero no solo considero que Anderson hace cosas para una audiencia selecta, sino que sufre del sindrome Tim Burton donde cada film se parece tanto al anterior que, eventualmente si, son solo fans los que terminan pagando entrada. En mi sala habia un grupo de señoritas vestidas en uniformes de girl scout. Para mi Life Aquatic es la movie mas bella del director pero creo que Moonrise Kingdom le dio una corrida por su dinero. El eterno drama del joven amor imposible. Romántica, incomoda y pop, quizá el cine de Wes Anderson ya no parezca tan original, pero films como los de él tampoco se ven diario.